Il laboratorio online tenuto da Giuliana Musso sarà centrato sulla recitazione della parola ed è rivolto a persone che abbiano già maturato esperienze di recitazione. E’ inoltre richiesta una qualche forma di conoscenza dell’opera teatrale di Giuliana Musso

1. IN PRIMA PERSONA.

Chi siamo?
L’ascolto di sé e degli altri è materia prima della recitazione.
L’attore come testimone del mondo.
Esercizi di auto-narrazione.

2. LA PROPRIA VOCE, MILLE VOCI.

La parola, prima di essere significato, è suono.
Il suono è corpo, respiro.
Il respiro è materia prima della recitazione.
Esercizi di lettura.

3. IN UNA PAROLA

Il suono della parola è materia prima della recitazione.
Ogni singola parola trattiene infiniti suoni, infinite narrazioni.
Letture. Esercizi tecnici di articolazione.

4. RITMO

Comprendere per recitare e recitare per comprendere.
Mettersi a disposizione del ritmo del testo per scoprirne la logica del discorso.
Il ritmo è materia prima della recitazione.
Esercizi tecnici su testi a memoria.

5. IN RELAZIONE

L’attrice\attore solista non è mai solo, si offre sempre ad una relazione.
La consapevolezza della relazione col pubblico è materia prima della recitazione.
Preparazione di testi a memoria o in lettura.
Esercizi di registrazione audio di brani teatrali.

6. L’OFFERTA

Essere strumento e farsi dono. Una diversa definizione di bravura.
Liberarsi dal pensiero di sè come materia prima della recitazione.
Conclusioni.
Ascolto delle registrazioni audio realizzate in autonomia.

Facendo di necessità virtù, il corso, rigorosamente svolto in modalità a distanza, lavora sul corpo seduto e vuole esplorare le possibilità espressive di questa postura.
Reagiamo alla riduzione dello spazio riappropriandoci delle infinite sfumature emotive che il corpo riesce ad esprimere. Anche al chiuso, anche fermi, seduti, il corpo non smette mai di comunicare chi siamo e come stiamo, in tutto quello che facciamo.
Ciascuno creerà una piccola sequenza di segni e movimenti a partire da brevissime suggestioni poetiche che verrà ricomposta in una breve coreografia di gruppo, mettendola in relazione fra tutti i partecipanti.

Contenuti
Il corso indaga il movimento espressivo con particolare riferimento all’analisi Labaniana e sarà diviso in due parti:
Dopo un’introduzione alle qualità di energia (Effort), impareremo a riconoscerle quando si attivano nelle azioni; affronteremo, poi, le direzioni nello spazio e l’organizzazione dei movimenti nel tempo.
Con questo bagaglio di coordinate, esploreremo la relazione che si può creare tra il corpo e il suo dialogo con il mondo
Nella seconda parte metteremo in pratica queste conoscenze in un approccio creativo/compositivo.
Ogni partecipante è invitato a proporre una breve sequenza di movimenti eseguiti sulla sedia, ispirata ad alcuni Haiku. A partire da queste sequenze e con le competenze sullo spazio e il tempo sviluppate nella prima parte, comporremo una breve coreografia di gruppo.

Obiettivi

• Sviluppare minime competenze di analisi del movimento, proprio o degli altri. – Potenziare la propria capacità espressiva e comunicativa/relazionale. – Sperimentare la propria cinesfera. – Articolare il movimento in relazione allo spazio – grandi in spazi piccoli. – Acquisire la base della composizione (fraseggio). – Saper ingaggiare la propria creatività.

Condotto da Matteo Vitanza, Veniamo al sodo è un percorso online pensato per chiunque voglia muovere i primi passi nel mondo del monologo che, venendo al sodo, è un mondo di solitudine solo apparente, dove il gioco dell’interpretazione comincia semmai da un onesto dialogo con se stessi e gli altri. 

Obiettivi del corso sono quelli di saper riconoscere un monologo, saperlo scegliere in base a criteri di inclinazione e gusto personali, criteri di bellezza, e fornire strumenti di analisi del testo e di interpretazione attoriale. Alla fine del corso è prevista una restituzione al pubblico, inteso come gruppo di lavoro (i propri compagni di corso) ed estendibile ad una cerchia di contatti più grande, se il tempo e i mezzi lo consentiranno.

Woody Neri conduce un laboratorio online su uno dei più celebri testi di Carlo Goldoni, La locandiera.
Venti ore di corso in cui si entra nel mondo di Mirandolina, analizzando il testo e tutti i personaggi principali dell’opera.

L’attore è autore.

Home theatre è un percorso rivolto sia a chi desidera scrivere, sia a chi desidera recitare e soprattutto a chi si sente a cavallo tra queste due dimensioni, che spesso vengono considerate separatamente, ma possono invece viaggiare assieme e alimentarsi e arricchirsi l’un l’altra.

L’obiettivo del corso è scoprire i principi base della scrittura scenica e sperimentarli, lavorando assieme alla costruzione e all’esecuzioni di testi creati da noi.

Il corso si propone di introdurre gli allievi al ruolo del regista teatrale.

Gli allievi saranno stimolati a sviluppare le proprie suggestioni avendo come punto di partenza l’analisi del testo, che verrà guidata dal docente; si alleneranno al racconto verbale della propria idea con l’obiettivo di renderla chiara e comprensibile a chi ascolta e verranno guidati nella ricerca di riferimenti estetici – pittorici, musicali, artistici in generale – che possano rafforzare o specificare le proprie suggestioni.

I punti di arrivo previsti sono:

– la creazione, da parte di ogni allievo, di un dossier di approfondimento personale utile allo sviluppo futuro della propria idea

– l’esposizione di un disegno di regia di un una scena a scelta del Macbeth significativa per la propria idea.

I primi sei incontri saranno dedicati all’analisi del testo e ad esercizi pratici di ideazione utili a stimolare il proprio punto di vista, i restanti due incontri saranno dedicati alla presentazione individuale da parte di ogni allievo della propria idea e del disegno di regia della propria scena di riferimento.

RICCARDO MALLUS

Regista, diplomato in regia presso la Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano, si specializza al corso internazionale di pedagogia della scena condotto da Anatolij Vasiliev e continua la sua formazione con Antonio Latella e con Carmelo Rifici.

Fa parte della direzione artistica della compagnia Guinea Pigs, per la quale cura ideazione e regia del progetto Atti di Guerra (produzione in collaborazione con ERT – Emilia Romagna Teatro), cura la direzione del progetto In lotta con la realtà (produzione in collaborazione con Festival Internazionale Castel dei Mondi), firma la regia di Casca la terra (produzione Teatro Out Off con il contributo di SIAE Sillumina Nuove Opere) e di #nuovipoveri (produzione in collaborazione con Ecate e sostenuta da Zona K, Next 2019-2020 e Teatro delle Moire).

Coordinatore artistico di Tournée da Bar, start up culturale per la quale è primo spettatore di molti spettacoli tratti da classici shakespearianie firma le regie del Mercante di Venezia e del Riccardo III (produzioni Teatro Carcano Centro d’Arte Contemporanea).

È co-fondatore del Kolektive 38, collettivo internazionale di regia la cui opera prima è Djallozoret di Michail A. Bulgakov (produzione Teatro Nazionale di Tirana).

Nel 2017 coordina il laboratorio internazionale e trans-disciplinare La guerre des ages, organizzato da Le Mème Ensemble (Fr).

Come regista freelance firma la regia di diversi spettacoli di drammaturgia contemporanea, lavorando spesso in collaborazione con gli autori: L’ora sospesa, di Luca Marchesini; Solo per Oggi, di Francesca Sangalli; NOIR – una storia sbagliata, di Federico Perrone; In Veglia, di Margarita Egorova.

Nel biennio 2015 – 2016 collabora con Teatro Carcano per le attività teatrali all’interno della II Casa di reclusione di Milano Bollate e firma regia e drammaturgia di Waiting to Go e Mahagonny la città trappola; spettacoli con in scena attrici e attori detenuti.

Nel 2015 cura la messa in scena di Passati col rosso, reading-concerto di e con Gino&Michele, produzione Bananas S.r.l.

Nel 2014 collabora con Massimo Navone al coordinamento artistico di Identità Milano, progetto di Scuola Paolo Grassi, Triennale di Milano e Comune di Milano.

Nel 2011 cura ideazione e regia del progetto Molto rumore per nulla da William Shakespeare, produzione Teatro dei Gordi, articolato in tre studi site-specific in cartellone al Festival La Mama SpoletOpen.

Tra il 2009 e il 2013 lavora come aiuto regista di Sergio Fantoni e come assistente alla regia di Serena Sinigaglia e Carmelo Rifici.

Dal 2012 insegna regia e recitazione nei corsi serali e openclass della Scuola Paolo Grassi per la quale coordina anche laboratori di teatro sociale nei corsi curricolari.

Woody Neri conduce il nuovo seminario online di Lettura espressiva – modalità e tecniche per la lettura a voce alta.
Che sia un discorso pubblico, una lezione universitaria, una lettura teatrale, o una fiaba della buonanotte, il fondamento per esporre in modo semplice ed evocativo un testo è la comprensione di ciò che si sta leggendo. Come si entra nella logica dell’autore? Cosa voleva dire con questa frase? Perché usa questo termine e non un altro? Il corso si prefigge come obiettivo il fornire agli allievi gli strumenti necessari per esporre un testo in modo chiaro e naturale, per leggere come se fossero “parole nostre”.

Il corso è rivolto a chiunque sia interessato a conoscere la propria voce e a scoprire le sue potenzialità, con un’attenzione particolare al canto.

 Il suono è una vibrazione, prende forma dalla materia che vibra, un po’ come la luce. La voce è la vibrazione delle corde vocali, ma non solo, è la ripercussione di questa vibrazione sulla materia del corpo e dello spazio esterno. Prendere coscienza della propria voce è un lavoro difficile, perché lo strumento con cui la produciamo, le corde vocali, non lo possiamo né vedere né toccare, diversamente che un arto. E sebbene la voce sia quanto di più quotidiano e scontato, non conoscere questo prezioso strumento  può essere fonte di pregiudizi che limitano la consapevolezza delle nostre potenzialità espressive. Una voce intensa e chiara, ricca di inflessioni timbriche, sensibile e aperta nell’accogliere e trasmettere emozioni, agile nel ritmo, è molto più efficace e autorevole per esprimere noi stessi e comunicare con gli altri.

L’interesse principale quando si lavora sulla voce è rendere vivo ciò che si produce, sia  tecnicamente ( rendere un ritmo o una melodia ricchi di sfumature, dalle dinamiche di volume all’uso dei risuonatori, e raffinarli nell’intonazione e nell’articolazione) sia emotivamente  (seguire un movimento interiore continuo, cercando un senso o un immagine o un sentimento che  stimoli la nostra vitalità).

Elementi di studio

Approccio teorico sulla conoscenza dell’apparato fonatorio:
-com’è fatto il diaframma
-com’è fatta la laringe
-come sono fatte le corde vocali
-com’è fatto il tratto vocale (cavità di risonanza)
-cosa s’intende per “postura corretta”